Kısaca Caspar David Friedrich
Sonsuz bir deneyim yakalamaya çalışan Caspar David Friedrich, izleyiciyi doğrudan harika olanla karşı karşıya getiren eserler besteledi. Friedrich, geleneksel olarak önemsiz kabul edilen manzara resmi türünü aldı, ona derin dini ve manevi önem verdi. Doğal dünyanın görkeminin yalnızca Tanrı’nın görkemini yansıtabileceğine inanarak, ilahi olanın güzel gücünü iletmek için güneş ışığı manzaraları ve sisli genişlikler kullandı.
Caspar David Friedrich’in Biyografisi
Çocukluğu ve Eğitimi
On çocuğun altıncısı olan Caspar David Friedrich, katı bir Lutheran ailesinde doğdu. Trajedi ile erken yaşta tanıştı, yedi yaşındayken annesini ve iki kız kardeşini çocukluk hastalıkları nedeniyle kaybetti. Belki de en etkili kayıp, o zamanlar on üç yaşındaki sanatçıyı buzdan düşerek kurtarmaya çalışırken boğulan kardeşi Johann’ın ölümüydü.
Gençliği ve Kariyerinin Başlangıcı
1798’de sanatçı çalışmalarını bitirdi ve çalışmalarının hayran bir izleyici bulduğu Dresden’e taşındı. Bu ilk resimlerden Friedrich, sanatın manevi potansiyeli ve doğanın gücü aracılığıyla dini duyguların ifadesi de dahil olmak üzere Romantik idealleri benimsedi. Sanatçıya göre, “insanın mutlak amacı insan değil, ilahi olandır, sonsuzdur. Mücadele etmesi gereken sanatçıya değil sanattır! Sanat sonsuzdur, tüm sanatçıların bilgisi ve yeteneği sınırlıdır.” Friedrich için manzara, The Cross in the Mountains (1807-08) ve Morning Mist in the Mountain’ta (1808) görülebileceği gibi, yüce olanın görsel tezahürlerini oluşturmanın birincil aracı oldu. Napolyon İmparatorluğu’nun bu yıllarında, Friedrich’in manzaraya yaptığı yatırım, tipik Alman sitelerini pratik olarak dünyevi sınırların ötesinde bir gurur ve güç duygusuyla tasvir ettiği için siyasi önem de taşıyordu. 1815’te Napolyon’un düşüşüne kadar, Friedrich’in çağdaşlarının çoğu, resimlerini bu siyasi kendi kaderini tayin etme ve kültürel miras merceğinden yorumladı, gelecekteki yabancı yönetimden bağımsızlık vaadini tuttuklarına inanıyordu.
Orta Yaşları
Almanya’daki Romantizm hareketinin liderlerinden biri olarak hızla tanınan Friedrich’in 1816’da Dresden Akademisi’ne seçilmesi sabit bir maaşla sonuçlandı. Bu, 1818’dee kırk dört yaşındayken, üç çocuğu olacağı Caroline Bommer ile evlenmesine izin verdi; iki kızı ve bir oğlu. Bir zamanlar “insanlardan nefret etmemek için onların arkadaşlığından kaçınmalıyım” diyen yalnız bir şahsiyet olarak ününe rağmen, evliliğin kariyeri üzerinde doğrudan bir etkisi oldu. Bazı resimlerinde karısını resmetmeye başladı, manzaraya dalmış yalnız bir figürün köklü motifini ara sıra bir çifte dönüştürdü.
Friedrich, önemli uluslararası şahsiyetlerin dikkatini ve himayesini kazandı. The Monk by the Sea (1808-10) ve Abbey in an Oak Forest (1809-10) Berlin Akademisi’nde sergilendiğinde aldığı takdir, onu iki tabloyu satın alan Prusya Prensi Friedrich Wilhelm Ludwig’in yoluna çıkardı. İktidardaki aile, liberal siyasi görüşleri onun gözünden düşmesine neden olana kadar sanatçıyı desteklemeye devam edecekti. Sanatı, Rusya'da da iyi karşılandı, çünkü Çar Nicholas I'in bazı eserlerini mahkemesi için satın aldı. 1830'da, Rusya Prensi Alexander, sanatçıya, müzikle birlikte karanlık bir odada arkadan aydınlatılan bir dizi şeffaf resim (şimdi kayıp) yapması için görevlendirdi.
Friedrich'in Romantik duyarlılıkları, yazıları hareketin edebi yinelemesini özetleyen ünlü Alman şair Johann Wolfgang von Goethe'de benzer bir ruh buldu (Goethe aslında Friedrich'ten çok daha yaşlıydı ve tanıştıklarında zaten bir yıldızdı). Yine de Goethe'nin renk teorisiyle ilgili sistematik çalışması, 1816'daki düşüşlerini destekleyen görsel sanatlara daha nesnel ve metodolojik bir yaklaşım önerir. Goethe, Friedrich'in çeşitli türlerini belgelemenin bir yolu olarak bulutları boyamasını önerdi; Friedrich, bu tür çalışmaların doğanın kutsallığına ilişkin Romantik ideallerle uyumlu olmadığını ve yalnızca bilimsel bir alıştırma olacağını düşünerek aynı fikirde değildi.
Son Zamanları
Friedrich'in ilk yıllarında yaşadığı kayıplar sonraki yaşamında bir kez daha yankılandı. Arkadaşı ve sanatçı arkadaşı Gerhard von Kügelgen'in 1820'de öldürülmesi, şiddetli bir depresyona yol açtı ve bu sırada bir teselli ve rahatlık aracı olarak öğretmenliğe yöneldi. Bu on yıl boyunca, kariyeri, Alman sanatında Realizm ve Natüralizme artan bir ilgiden zarar gördü; Friedrich'in romantik manzaralara olan bağlılığının modası geçti. Bu, 1824'te Dresden Akademisi'nde manzara boyama sandalyesi pozisyonunun reddedilmesine katkıda bulundu. Kısa bir süre sonra hastalandı, 1826'ya kadar yağlı boya yapma gücünden yoksun kaldı.
1830'a gelindiğinde, zaten yalnız olan figür, kamusal yaşamdan daha fazla kopmuştu. Gittikçe daha fazla melankoli ve aldatıcı olduğuna inandığı arkadaşlarına ve karısına karşı şüphe duymaya başladı. Stüdyosunun mahremiyetinde kalmayı ve sadece en yakın arkadaşlarını ve ailesini eğlendirmeyi seçen bazı bilim adamları, sonraki çalışmalarını ölüm ve geçen zaman üzerine kasvetli meditasyonlar olarak yorumladılar. Yine de hayatının bu son yılları, The Stages of Life (1835) gibi önemli eserlerin yaratılışını görerek verimli geçti.
26 Haziran 1835'te Friedrich, kısmen felç olmasına neden olan bir felç geçirdi ve sanatsal çıktısını yine çizimlerle sınırladı. 1840 yılının Mayıs ayında ölmeden önce ikinci bir felç geçirdi ve yoksulluğa düştü.
Caspar David Friedrich’in Mirası
Alman Romantiklerinin ikinci dalgasının bir parçası olarak Friedrich, Nasıralılar tarafından benimsenen sembolizm fikirlerinin ötesine geçerek illüstrasyondan ziyade yeni, seyrek bir çağrışım dili yarattı. Geleneksel dini veya tarih resmine alternatif olarak manzara resmine olan bağlılığı, çağdaşlarını türü yeniden düşünmeye teşvik etti.
Peyzaj formatının bu yükselişi, ulusal ve uluslararası etkiye sahip olacaktır. Birçok Amerikalı sanatçı 19. yüzyılda Almanya'nın Dresden kentinde okudu ve Friedrich'in örneğinden ders aldı. Özellikle, Hudson Nehri Okulu'nun sanatçıları, benzer şekilde, manevi ve politik öneme sahip, hayranlık uyandıran manzaralar yarattılar.
Friedrich'in daha derin anlamları ima etmek için sembolleri düşündürücü kullanımı, aynı zamanda onun şiirsel ruh hallerini de benimseyen 19. yüzyıl Sembolistleri ve 20. yüzyıl Sürrealistleri için önemli bir örnekti. Ayrıca, minimalizmi ve geniş renk alanları, Soyut Dışavurumculuk ve Renk Alanı Resminin temelini oluşturdu. Bu, sanat eleştirmeni Robert Rosenblum'un Amerika'da o zamanlar gelişmekte olan Renk Alanı Resim hareketi ile Friedrich'in The Monk by the Sea (1808-10) arasında doğrudan bir bağlantı kurduğu 1961 tarihli bir makalesinde doğrulandı.
Almanya'da Friedrich, mükemmel bir mücadele ve muzaffer yaratıcı ruh olarak kabul edildi; Nietzsche'nin onu tutkulu, üretken bir varoluşa dair felsefi teorilerini besleyen arketipsel insan olarak aklında tuttuğu söylenen noktaya kadar. Daha da kötüsü, Hitler, sanatçının eserlerini Almanların diğer ırklara üstünlüğünün kanıtı olarak kullandı.
Daha yakın yıllarda, Friedrich'in çalışmalarının Nazi propagandacıları tarafından kötüye kullanılmasından rehabilitasyonu, Anselm Kiefer ve Gerhard Richter gibi yeni nesil modern Alman sanatçıları etkiledi. Güçlü Germen mirasının bir örneğini sunarken, savaş sonrası Avrupa resminde önemli temalar olan yokluk ve kaybın sessiz çağrışımlarını da gösterir.
Dağlardaki Haç (Testchen Sunağı)
Genellikle Tetschen Sunağı olarak anılan Friedrich'in Dağlardaki Haç'ı, üzerinde büyük bir haç bulunan çam kaplı bir dağ zirvesine sahiptir. Bulutla dolu gökyüzü, tuvalin tepesinden altına karanlıktan aydınlığa kaybolan kırmızı, pembe ve menekşe tonlarında işlenir. Uzak, görünmeyen bir ufuktan beş ışık huzmesi yayılıyor.
Şekillendirilmiş tuval, sanatçı tarafından tasarlanmış ancak arkadaşı Gottlieb Christian Kuhn tarafından oyulmuş ayrıntılı bir çerçeveye yerleştirilmiştir. Çerçeve, beş bebek meleğin başı, bir yıldız, üzüm ve asmalar, mısır ve Tanrı'nın gözü gibi bir dizi Hıristiyan sembolüne sahiptir.
En eski resimlerinden biri olan bu resim, kariyeri boyunca ele alacağı birçok Romantik motif ve temayı, özellikle de manzaranın kendisinin önemli sembolizmini bünyesinde barındırıyor. Gerçekten de, sunak bir haç içermesine rağmen, doğanın manevi özüne vurgu yapılır. Çalışmayı şöyle tanımladı: "Zirvenin yukarısında, herdem yeşil köknar ağaçlarıyla çevrili bir haç duruyor ve haçın tabanında yaprak dökmeyen sarmaşıklar var. gün batımı ... Haç, İsa Mesih'e olan inancımız kadar sarsılmaz bir şekilde sağlam bir kayanın üzerinde duruyor. Köknar ağaçları, çarmıha gerilmiş Mesih'teki insanların O'ndaki umudu gibi, her zaman yeşil ve sonsuz olan çarmıhın etrafında yükselir." Bu, manzara resmi türünün çığır açan bir yeniden yorumuydu ve ona yeni bir potansiyel önem düzeyi kazandırdı. Friedrich'in Tanrı'nın tanrısallığının en iyi doğada bulunabileceğine olan inancını yansıtıyordu.
Friedrich son derece dindardı, Tanrı'nın gücünü kelimelerle mümkün olandan daha fazla aktaracak bir resim çizmeyi arzularken, yaklaşımı oldukça tartışmalıydı. 19. yüzyıl sanat eleştirmeni Wilhelm von Ramdohr, sanatçı 1808'de stüdyosunu halka açıp bu eseri görmelerine izin verdiğinde, bir manzaranın bir sunak olarak işlev göremeyeceğini savundu. Friedrich ve destekçileri resmi alenen savundular ve ortaya çıkan tartışma Friedrich'in itibarını oluşturmaya yardımcı oldu.
Dağlarda Sabah Sisi
Şafak vakti sisinin beyaz bir sisi içinde yüzen bir dağ zirvesinin bu basit resmi, zar zor ayırt edilebilen çam ağaçları ve kayalık çıkıntılarla çevrili, Friedrich'in Romantik manzara ideallerini ortaya koyuyor. Anıtsal doğanın bu görkemli, uzak görüntüsü, özellikle ölçeği ve ışık kullanımı açısından daha yüksek bir güce bağlantı anlamına geliyordu. Burada, bulutlardaki bir kırılma, sanki dağın zirvesini ilahi bir ışıkla aydınlatıyormuş gibi ışığın parlamasına izin verir.
Bu dini mesajı elde etmek için, sis tasviri sanatçı için önemli bir semboldü. Açıkladığı gibi, "Bir manzara sisle kaplandığında, daha büyük, daha yüce görünür ve hayal gücünü artırır ve daha çok peçeli bir kadın gibi beklentiyi heyecanlandırır. Göz ve hayal, kendilerini puslu mesafeden daha çok cezbeder. önümüzde yakın ve uzak olana." Bizi bu uçsuz bucaksız alanın önüne hiçbir ön plan duygusu olmadan konumlandırarak, izleyiciyi doğal alem deneyimine sokmak istedi; Tanrı'nın güzelliğini ve gücünü en yakından ifade ettiğini hissettiği dramatik bir alan. Bu yaklaşım, açık Hıristiyan sembolizmine değil, insanın kontrolünün ötesindeki korkuyla doğrudan temasa dayanan dini resim için yeni bir olasılık yarattı.
Deniz Kenarındaki Keşiş
Friedrich'in yapıtındaki tartışmasız en önemli ve en iyi bilinen eserlerinden biri olan bu resim, Berlin'deki 1810'daki bir sanat sergisinde The Abbey in the Oak Woods (1808-10) ile sergilendiğinde sanatçıyı uluslararası üne kavuşturdu. Mavi-gri bir gökyüzü ve yeşil denizi betimleyen tuvalin üst dörtte üçü, uçsuz bucaksız, boş bir manzaraya hakimdir. Ön plan, merkezin hemen solunda bir adamın durduğu bej rengi düz olmayan bir alan. Sırtı izleyiciye dönük olsa da, bir keşişin uzun, koyu renk cübbesi ile tanınabilir. Tuval, gökyüzündeki birkaç dalga ve kuş tepesini belirtmek için küçük beyaz fırça darbeleriyle noktalanan büyük renk genişlikleriyle doludur. Hala hissedilen bir huşu, merak ve alçakgönüllülük hissi uyandırırken, minimalizm ve resimsel kısıtlamanın bir başyapıtıdır.
Bu tablo çiftinin olumlu karşılanması Friedrich'in Berlin Akademisi üyesi olarak seçilmesine katkıda bulundu ve ayrıca sergilenen iki resmi kraliyet koleksiyonu için satın alan Prusya Prensi Friedrich Wilhelm Ludwig'in de desteğini aldı; prestijli bir onur. Bununla birlikte, övgülerin ötesinde, bu çalışma Friedrich'in deneysel ruhunu göstermektedir. Manzara resmine yönelik herhangi bir geleneksel yaklaşım ortadan kalktı. Hızlı bir bakışta, kompozisyon yapısı düzensiz görünüyor ve bir perspektif odak noktasından yoksun. Friedrich, bir sahneyi resmetmek yerine, izleyiciye yalnızca sanatçının önerdiği bir dizi duyguyu deneyimleme fırsatı yarattı. Daha fazla ayrıntı eklemiş olsaydı, izleyici bir anlatı veya hikaye icat etmeye cezbedecekti, ancak bu minimum düzeyde, yalnızca duyusal bilgi ile hissediliriz.
Manzara yaratmanın bu yeni yolu, izleyicinin doğal dünyanın yüceliğini düşünmesi ve ona maneviyatın bir ifadesini okuması gerektiği fikrini güçlendirdi. Seyrek, anlatısal olmayan bir tarzda derin anlam potansiyeli, modernist soyutlama için kritik olacaktır. Bu resim, özellikle, Mark Rothko'nun İkinci Dünya Savaşı sonrası Renk Alanı resimleriyle bağlantılıdır ve aynı zamanda izleyici için manevi bir deneyim geliştirmeyi amaçlamaktadır.
Friedrich genellikle insan varlığı olmadan manzaralar çizerken, bu resim onun manzara resmine daha derin bir anlam ve izleyiciyle bağlantı kurma konusundaki ikinci yaklaşımını temsil ediyor: bir vekil veya vekil kullanımı. "Ruckenfigur" olarak bilinen manzaraya dönük ve onunla bütünlük içinde olan yalnız figür, Alman Romantizminin kendisini Fransız ve İngiliz Romantizminden farklılaştırmasının kilit yollarından biridir. Uluslararası olarak Romantizm, insan ve doğa arasındaki bağlantıyla meşgul olmasına rağmen, İngiliz ressamlar daha nostaljik veya pastoral manzaraları vurgulama eğilimindeyken, Fransız ressamlar genellikle insanın doğayı fethetme arzusunu öne sürdüler; Alman yaklaşımı, insanın doğayı ve buna bağlı olarak ilahi olanı anlama girişimini tasvir eder. İzleyici ve görüntü arasındaki bu duygusal bağlantı tercihi, Friedrich'in genellikle izleyiciyi doğanın vahşi doğasına iten karamsar manzaralarında örneklenen daha gerçek veya açıklayıcı yaklaşımların yerini aldı.
Oak Wood’daki Manastır
Kahverengi, sarı ve beyazın yumuşak tonlarında işlenmiş, ince renklerde bir çalışma olan bu resim, çorak yapraksız ağaçların arasında yer alan Gotik bir manastırın ufalanan kalıntılarını tasvir ediyor. Haç işaretleri ve mezar taşlarının ana hatları, uzun ince pencereli manastır girişinin kalan duvarına dağılmış durumda. Birkaç keşişin çıplak hatları, kilisenin girişinden geriye kalanlardan geçmek üzere, belki de ölülerin yasını tutmak için bir hac ziyareti yaparken görülebilir.
Friedrich, eserlerinde sık sık burada manastır kalıntıları şeklinde Gotik mimarinin izlerine yer verir. Bu, Napolyon işgali yıllarında özellikle önemli olan Alman Gotik geçmişinin anıtlarındaki milliyetçi bir gururu yansıtıyor. Gotik, aynı zamanda, bir dizi sanatsal üretime manevi önem veren bir dönemdi. 20. yüzyıl Alman Dışavurumcuları da Gotik'e ulusal ve dini bir güç kaynağı olarak bakarlardı.
Ek olarak, bu resim Friedrich'in kayıp ve özlem duygusu yaratmak için negatif boşluk ve yokluğu ustaca kullandığını gösteriyor. Harabelerin ve çorak ağaçların tasviri, donuk, sessiz renk paleti ve düzensiz kompozisyon dengesi ile birleşen ölüm ve terkedilmeyi akla getiriyor. Deniz Kenarındaki Keşiş gibi, tuvalin çoğu sadece boş gökyüzünü gösteriyor. Yine de mesaj nihilist değil: yumuşak ışık, güneşin bulutların arasından parladığını gösteriyor; meşe ağaçları çorak ama ölü değil. Yeniden doğuş ve diriliş vaadi vardır.
Sis Denizinin Üzerinde Gezgin
Bir Sis Denizinin Üzerindeki Gezgin (bazen "Denizin Sisi" olarak da anılır) yalnız bir adamı tasvir eder, resmi olarak giyinmiş ve bastonu tutarken, kayaların bir çıkıntısının üzerinde duran, kaçınılmaz bir genişliğe bakan. Ayaklarının dibinde çalkantılı bir tarlada sadece saçları görünmeyen bir rüzgarla dalgalanıyor, mükemmel bir şekilde duruyor. Arka planda beyaz kabarık bulutlarla dolu bir gökyüzü ve sisin içinden zar zor görülebilen dağ zirvelerinin ana hatları var. İnsan önündeki enginliği seyrederken, doğanın yüceliği sakin, dingin bir bakışla değil, doğal güçlerin başarabileceklerinin salt gücünde kendini gösterir.
Friedrich'in resminde, genellikle incelikli yollarla kodlanmış politik açıklamalar yaptığı biliniyor. Figürün giydiği kostüm, Almanya'nın Kurtuluş Savaşları sırasında öğrenciler ve diğerleri tarafından giyildi; Bu tablonun yapıldığı tarihte, Almanya'nın yeni iktidar hükümeti tarafından giysiler yasaklanmıştı. Bu kıyafetteki figürü kasten tasvir ederek, mevcut hükümete karşı abartılı da olsa görsel bir duruş sergiledi. Ancak bu çalışmanın politik doğası burada bitmedi; çalışmaları (özellikle bu resim) Nazi rejimi tarafından yoğun Alman milliyetçiliğinin sembolleri olarak benimsendi ve istismar edildi. Friedrich, daha gerçekçi bir illüstrasyonu yalnızca müstehcen mesajlarla değiştirdiği için, resimleri yeni siyasi amaçlara uyacak şekilde kolayca yeniden yorumlandı. Çalışmalarının Nazizm lekesi olmadan bir kez daha görülmesi ve takdir edilmesi, 1980'lere kadar otuz yıldan fazla zaman alacaktı.
Hayatın Aşamaları
The Stages of Life'da beş gemi denizde, uzak bir ufka doğru ilerliyor. Ön planda çimenli sahilde betimlenen beş figür tarafından yansıtılırlar: iki küçük çocuk, bir erkek ve bir kız, genç bir kadın tarafından seyredilirken, orta yaşlı bir adam uzun bir süre sonra yaşlı bir adama seslenmek için sudan geri döner. resmi ceket, şapka ve baston. Friedrich'in yaşamının sonraki yıllarında, sanatçının neredeyse yalnızlığa çekildiği zamanlara dayanan bilim adamları, yaşlı adamın bir otoportre olduğunu ve diğerlerinin Friedrich'in yeğeni ve üç çocuğunu temsil ettiğini iddia ettiler.
Bu tablo, sanatçının yağlı boya üzerinde çalışmasını engelleyen çok sayıda darbeden önceki son çalışmalarından biridir. Zamanın geçişi ve yaşam yolculuğuna dair bir alegori, yaşamın çeşitli evreleri, kıyıdan (başlangıç, doğum) ufka (ölüm, sonsuzluk) hareket eden beş gemide ve tasvir edildiği gibi zamanda yankılanıyor. çocukluktan yaşlılığa. Friedrich'in resminde yaygın olduğu gibi, gökyüzü tuvalin çoğuna hakimdir, mavinin tonlarından merkezde geniş bir turuncu ve sarı renk tonuna dönüşerek günün saatini akşamın erken saatlerine yerleştirir. Güneş batarken ve gemiler denize açıldıkça bir huzur, bütünlük ve kabullenme duygusu oluşur.
İlgili İçerik: Romantizm Sanat Akımı: Nedir, Tarihi, Sanatçıları, Karakteristiği, Eserleri ve Fazlası
İlgili İçerik: Rokoko Sanat Akımı: Nedir, Tarihi, Sanatçıları, Karakteristiği, Eserleri ve Fazlası
İlgili İçerik: Zeus: Tanrıların En Kudretlisi ve En Çapkını
İlgili İçerik: Eugène Delacroix kimdir? Eugène Delacroix'in Hayatı ve Eserleri
