Kısaca Eugene Delacroix’in Özeti

Delacroix, 19.yüzyıl Fransız sanatında Romantik hareketin lideri olarak kabul edilir. Hayatı ve eserler, hareketin duygu, egzotizm ve yüce olana duyduğu ilgiyi somutlaştırıyordu ve yemyeşil, hareketli fırça çalışmalarıyla dolu ve canlı renklerle titreşen resim stili, akranının ve rakibinin soğuk ve kontrollü tasvirleriyle doğrudan zıttı. Ingres, Delacroix, konu seçiminde akademik geleneklerden kaçındı, gözle görülür şekilde enerjik fırça çalışmaları ve dinamik figürlü kompozisyonlarla, en dramatik modalarla geniş ölçekte işlenen çağdaş tarihten sahneleri tercih etti. Delacroix’in çalışması, Kuzey Afrika’ya yaptığı dönüşümsel bir geziden esinlenen resimlerinde görülen, Romantizmin egzotik “Öteki” ne olan takıntısını da somutlaştırıyor, ancak hayvan resimleri de bu  damarda görülebilir. İlginç bir şekilde, eserlerinin çoğu doğanın doğrudan gözlemine dayanıyordu (müthiş bir ressamdı ve gençliğinde fotoğrafçılığa ilgi duyuyordu), daha sonra bir  anlatıyı hayal gücüyle birleştirdi, en ünlü yazarların çoğuyla olan yakınlığı göz önüne alındığında şaşırtıcı değil.

Eugene Delacroix’in Hayatı

Çocukluğu ve Eğitimi

Eugene Delacroix’in doğumundan sadece yedi ay önce babasının testis tümörünü alma operasyonunun zamanlaması nedeniyle bazı tartışmalar var. Ancak çoğu kişi, Victorie Oeben ve Napolyon rejiminde bir dışişleri bakanı olan Charles Delacroix’in dört çocuğundan en küçüğü olduğuna inanıyor. Delacroix’in erken yaşamı, yedi yaşındayken babasının ölümü de dahil olmak üzere pek çok kayıpla doluydu; kardeşi o dokuz yaşındayken savaşta öldürüldü; ve annesi 1814’te o henüz on altı yaşındayken vefat etti.

Delacroix, erken yaşlardan itibaren sanata ilgi gösterdi. Amcası ressam Henri-François Riesener’in teşvikiyle ressam Pierre-Narcisse Guerin’in atölyesinde çalışmaya başladı ve 18 yaşında Paris’teki prestijli “Ecole des Beaux-Arts’a” kaydoldu.

Gençliği

Delacroix, ilk siparişini 1819’da Fransa’daki Orcement kilisesi için aldı ve bunun için The Virgin of Harvest’ı yarattı. Bir yıl sonra Theodore Gericault tarafından Nantes Katedrali için bir komisyona yardım etmesi için davet edildi; Delacroix, Kutsal Kalbin Bakiresi (1822) adlı son eseri boyadı ve ücreti Gericault ile paylaştı. Dleacroix, her iki adam da Guerin’in öğrencisiyken yaşlı sanatçıyla arkadaş olmuştu. Delacroix, Gericault’nun Medusa’nın Sal’ını (1818-1819) gördüğünde çok etkilemişti ve buna karşılık Gericault, genç arkadaşının yeteneğini fark etti.

Delacroix, kariyerinin başlarında, yaşamı boyunca başına bela olacak ve sağlığı konusunda sürekli endişe duymasına neden olacak ilk tüberküloz larenjit nöbetini geçirdi. Hastalığın tekrarlanmasını önlemek için, boynuna bağlı bir eşarp taktı ve bu, işlevsel olmakla birlikte, modaya uygun bir adam olarak ün kazanmasına da yardımcı oldu.

Bağımsızlığıyla tanınan Delacroix, prestijli Prix de Rome’a (sanatçıların kariyer tanınırlığı kazanmasının olağan yolu) başvurmayarak Fransız sanat geleneğine meydan okudu ve bunun yerine 1822’den itibaren halka açık salonlarda düzenli sergiler açarak kendini kurdu. Ayrıca klasik temalarda da uzaklaştı. Dramatik anlatıları (çoğunlukla güncel olaylardan yola çıkarak) yüksek renk ve dinamik kompozisyonlarla betimleyerek daha modern bir yaklaşım benimsedi. Bu, Sakız Adası Katliamlarından Sahneler (1824); Sardanapalus’un Ölümü (1828); ve Halka Önderlik Eden Özgürlük (1830). Bu resimler, Delacroix’in her zaman hoşlanmadığı bir etiket olan Romantik hareketin lideri olarak kurulmasına yardımcı oldu. Romancı Victor Hugo da dahil olmak üzere edebi Romantiklerle ilişki kurduğu biliniyordu. Hugo’ya olan ilk saygısı, daha sonra “paletlerin Hugo’su” olarak tanındığında soğudu.

Orta Yaşları

Delacroix’in kariyerinde bir dönüm noktası, Louis-Philippe’in kolonideki özel büyükelçisi olan Kont Charles de Mornay ile 1832’de Fas’a yaptığı geziydi (Fransa, Cezayir’i 1830’da fethet, ve Kuzey Afrika ülkesi bir Fransız kolonisi oldu). Delacroix, diplomatik heyet ile ülke çapında altı ay seyahat etti ve yolculuğunu sanat eserlerinde belgelemekle görevlendirildi. Gezinin en önemli noktalarından biri, Delacroix’e (daha sonra eve  getirdiği Fas eşyalarının satın almasını finanse etmek için sattığı) bir at hediye eden Sultan’ı ziyaretti.

Delacroix’in karşılaştığı manzaralar, sesler ve garip yeni kültür- özellikle de insanlar, onların kostümleri ve Akdeniz topraklarının ışığı ve atmosferi – bu yolculuktan ilham alan bütün bir çalışmanın yaratılmasıyla sonuçlanacaktı. Bununla birlikte, model bulmak her zaman kolay bir iş değildi, çünkü tanıştığı Müslümanların çoğu, dinlerinin insan resimlerinin tasvirini yasaklaması nedeniyle sanatçıya poz vermeyecekti ve sonuç olarak, konularının çoğu, daha iyi hoş  karşılayabilen Yahudilerdi. Delacroix, çizimleri için evlerine girdi. Delacroix gezi hakkında şunları yazmıştı: “Bu ülkenin görünüşü sonsuza dek benim gözümde kalacak, ömrüm boyunca bu soylu ırkın adamları yaşayacak ve hafızamda hareket edecek; bana gerçekten güzelliğini geri getiren onlardır. Antikalar.”

Delacroix, hayatı boyunca günlük tutan hevesli bir yardı. Aslında, ana mandırası toplandı ve daha sonra Journal adlı 3 ciltlik bir dizi olarak yayınlandı. Sanatçı için büyük önem ve iç görü olmasına rağmen, belge tipik bir mandıra değil, tren tarifelerinden adreslere, hafıza yardımcılarına, çalışma yöntemlerine ve sanatla ilgili fikirlere kadar çeşitli bilgiler içeriyor.

Fransa’ya döndükten sonra, Delacroix’in kariyeri, Salon du Roi ve Palais Bourbon’daki Kütüphane projesi ve Saint-Sulpice Kilisesi için duvar resimleri de dahil olmak üzere önemli resmi komisyonlarla işaretlendi. Ayrıca Lüksemburg sarayındaki Akranlar Odası kütüphanesi için sahneler çizdi. Tüm bu dekoratif işler sanatçı için fiziksel olarak tükeniyordu  ve 1844’ten itibaren Delacroix, dinlenebileceği ve toparlanabileceği Champrosay’deki kır evinde daha fazla zaman geçirmeye başladı.

Son Zamanları

Daha sonraki yaşamına, üretkenliğini etkileyen kötü sağlık dönemleri damgasını vurdu (1840’ların başında bir süre çalışmayı bırakmak zorunda kaldı). O sırada hizmetçisi Jenny Le Guillou adlı bir kadın, iyileşmesini dikkatle izledi. Delacroix hiç evlenmedi, ancak modelleri ve muhtemelen ölümüne kadar yanında olan ve 1837’den itibaren bir otoportresini miras aldığı Le Guillou da dahil olmak üzere çok sayıda kadınla ilişkileriyle tanınıyordu.

Her zaman edebiyat ve müzik aşığı olan Delacroix, kendisini çağın önde gelen yaratıcı insanlarıyla temasa geçiren toplantılardan keyif aldı. Romancı Georges Sand ve sevgilisi besteci Chopin ile olan dostluk, örneğin, portresini oluşturmak için bir komisyonla başladı. Sand, bir erkek gibi giyinme pratiğiyle ünlüydü ve bunu portresi için yaptı, ancak Delacroix şakacı bir şekilde onu buna karşı uyardı, çünkü onun görüşüne göre bir erkek “kötü bir canavar” olabilir.

Delacroix’in kariyerinin sonraki yıllarında, doğadan ilham aldı, bahçeler ve çiçekler içeren çok sayıda eser çizdi. Ayrıca büyük ölçekli tablolara ve süslemelere odaklanmaya devam etti ve 1850’de Louvre’daki Apollo Galerisi’nin ana tavanına mitolojik bir sahne boyamak üzere seçildi. Bu eser geniş çapta övüldü ve öyle bir başarı olarak kabul edildi ki, sanatçının başlangıçta sözleşmesinden 6.000 frank fazla alması. Bu resimler, Pegasus ve Hydra’nın (1905) Delacroix’in Louvre tavan resmi Apollon Yılanı Slaying (1850-51)’den doğrudan etkilenen Odilon Redon gibi erken modernist sanatçıların çalışmalarını etkileyecektir.

Delacroix’in en büyük rakibi Jean-Auguste-Dominique Ingres’den başkası değildi. O zamanlar sanat dünyasında renk ve çizginin mücadelesi olarak özetlenen büyük bir sanatsal anlaşmazlığın olduğu söyleniyor. Delacroix rengi temsil ederken, Ingres ve David düşünce çizgisinden sürdürdüğü Neoklasik gelenek resimde en önemli olanıdır. İki adamın çeşitli karşılaşmaları vardı: bir anekdotta Ingres, Louvre’un pencerelerinin, Delacroix’in önceki bir ziyaretinin müzede bıraktığı varsayılan “kükürt kokusunu” dışarı atmak için açılmasını istedi.

Delacroix’in kariyerinde, 1855 Universal Exposition’daki tek kişilik gösterisiyle büyük bir tanınırlık kazandı. En büyük eserlerinden otuz beşi sergilenirken, en politik ve tartışmalı iki eseri olan Sardanapalus’un Ölümü (1827) ve Halka Önderlik Eden Özgürlük (1830) ancak İmparator müdahale edip bunların dahil edilmesinde ısrar ettikten sonra eklendi. Bu başarıdan sonra, 1857’de yedi başarısız denemeden sonra nihayet Acedemie des Beaux-Arts’a seçildi.

Belki de Delacroix’in edebiyat dünyasından en etkili dostluğu, içki ve afyondan hoşlanan ve daha sonra müstehcenlik nedeniyle yargılanacak olan çok daha genç avangard şair ve sanat eleştirmeni Charles Baudelaire ile oldu. Baudelaire, Delacroix’in kariyerinin güçlü bir destekçisiydi ve yazılarında sanatının savunulmasına yardımcı oldu. Baudelaire, 1863 tarihli The Life and Work of Eugene Delacroix adlı eserinde, sanatçıyı “çiçek demetlerinin arkasına sanatsal olarak gizlenmiş volkanik bir krater” olarak nitelendirdi ve onun “tutkuya tutkuyla aşık olduğunu ve onu ifade etmenin yollarını aramaya soğukkanlılıkla kararlı olduğunu en görünür şekilde anlattı.” Gerçekten de Baudelaire, Delacroix’yı en sevdiği yazar Edgar Allan Poe ile birlikte  yalnızca Romantik hareketin değil, bir bütün olarak sanatta modern hareketin değil, bir bütün olarak sanatta modern hareketin lideri olarak konumlandırıldı.

Delacroix, yaşamının sonuna kadar resim yapmaya devam etti, ancak son yıllarında, belki de kişisel düşünmenin bir sonucu olarak, giderek daha fazla Hristiyan temalı çalışmalara odaklandı. Büyük sanatsal çıktısına rağmen, yaşamının sonlarına doğru mirasını merak etti ve bir keresinde şöyle yazdı: “Ben öldüğümde benim hakkımda ne düşünecekler?”

Eugene Delacroix’in Mirası

Delacroix’nın mirası, Romantik hareket içindeki merkezi ve üretken rolünün ötesine uzanır. Konuya yaklaşımı, figürlerinin dramatik pozları, ifade ve  duyguya vurgusu, açık hava manzaralarında doğal ışığı keşfetmesi ve renklerin dramatik kullanımı, ilk modern sanatçıların, özellikle de en önemlisi, çalışmalarının temelini attı. İzlenimciler ve daha sonra Sembolistler. Özellikle, Delacroix’nın tonlar bölümü, İzlenimciler arasında Monet ve Pisarro gibi sanatçıların çalışmaları üzerinde muazzam bir etkiye sahip olacaktı ve tamamlayıcı tonların gücü konusundaki farkındalığı, nihayetinde Georges Seurat’ın renk teorilerine yol açtı. Bu sanatçılar defalarca Dalacroix’in etkisinden bahsettiler ve sıklıkla onun en ünlü eserlerinden ilham alan tablolar yarattılar, hatta bazen doğrudan sanatçıya kredi verdiler. Örneğin, Pierre-Auguste Renoir’in Fas’taki Yahudi Düğünü (Delacroix’den sonra) (1875); Vincent van Gogh’un Pieta’sı (Delacroix’den sonra) (1889); ve Paul Ceanne’ın Apotheosis olf Delacroix (1890-94).

Diğer sanatçılar, Henri Fantin-Latour’un Delacroix’e Saygı (1864) adlı eserinde olduğu gibi, bu vizyoner sanatçıya borçlu olduklarının bilincinde olarak modern sanatçıları Delacroix’nın bir portresiyle çevrili olarak betimleyen görsel hatıralar yarattılar. Delacroix’in etkisi, Pablo Picasso’nun Delacroix’den (1955) sonra Cezayir Kadınları’nda görüldüğü gibi, 20. Yüzyılda da devam etti. Hiçbir zaman spotları paylaşmak istemeyen Picasso, yine de Delacroix’dan hayranlıkla bahsetti ve ünlü “O piç kurusu, gerçekten iyi dediğinde modern sanat üzerindeki muazzam etkisine güven verdi.

Eugene Delacroix’in Önemli Eserleri

Sakız Adası Katliamlarından Manzaralar

Delacroix’nın tuvalinin ön planında, yerle bir araya toplanmış (bazıları ölü, bazıları zar zor diri, yatan bir grup perişan Yunan erkek, kadın ve çocuk görüyoruz. Solda, karısı omzuna yaslanmış bir adam mide yarasından ölüyor; sağda, ölü bir anne, çocuğu açıkta kalan göğüslerini başarılı bir şekilde emmeye çalışırken yaşlı bir kadına yaslanıyor. Arkalarında, sağda bir Osmanlı Türkü, çıplak bir tutsağı sürükleyen gruba saldırıyor, bir figür boşuna ellerini havaya kaldırarak onu durdurmaya çalışıyor. Arka planda, okyanus altın bir gökyüzünün ufuk çizgisiyle buluştuğunda, daha az tanımlanmış figürler harap olmuş manzarada savaşa giriyor. Tuvalin büyük ölçeği (16 feet genişliğinde) Yunan figürlerinin acısını anıtsallaştırır ve resmin genel dramasına ve görsel etkisine katkıda bulunur.

Tablo, Türk Osmanlı birliklerinin Sakız Adası’nı işgal ettiği ve binlerce isyancı Yunanlıyı katlettiği 1822 Yunan Bağımsızlık Savaşı’ndaki olaylardan esinlenmiştir. Delacroix, düzenin, düzenliliğin ve kontrol duygusunun hüküm sürdüğü klasik anlatı resminin geleneklerinden ayrıldı. Aksine, bu çalışma tarihsel dramaya yeni bir yaklaşım getiriyor. Birincisi, antik tarih veya mitolojiden uzak bölümlerden ziyade gerçek ve yakın tarihli olaylara dayanmaktadır. Delacroix, izleyiciyi aksiyona ve daha özel olarak da kurbanların çektiği acıya yaklaştırıyor –biz de onlarla aynı düzlemde varız, böylece empatimize ve duygusal birlikteliğimize ilham veriyoruz. Son olarak, savaşın en can alıcı anlarını göstermek yerine, zengin renkler, ön ve arka planda çeşitli figür gruplamalarıyla karmaşık bir kompozisyon yapısı kullanarak bize sonrasını gösteriyor.

Bu eser, Paris Salonunda sergilendiğinde pek iyi karşılanmadı, çünkü birçok eleştirmen, Yunanlıları cesur savaşçılar yerine kurbanlar olarak betimlediğini ve birinin şaak yapmasına yol açtığını düşündü: “Bu, Resim Katliamı.” Diğerleri, gevşek fırça çalışmasıyla hata gördü ve tuvali “le lay” (çirkin) ilan etti. Delacroix, kısmen sanatta geleneksel güzellik kavramlarını bilinçli bir şekilde reddetmesi nedeniyle, on yıllar boyunca resimlerine yönelik olumsuz eleştirel tepkilerle mücadele etti.  Yine de yaklaşımı, diğer sanatçılar ve izleyiciler arasında çekicilik kazanacak ve Romantik hareketin başlatılmasına yardımcı olacak ve aynı zamanda Gustace Courbet ve Edouard Manet gibi modern sanatçıların çalışmalarını etkileyecektir.

Sardanapalus’un Ölümü

Genişliği 16 metreden fazla olan bu devasa tablo, sarayının kuşatması sırasında tüm mal varlığının (haremi dahil) yok edilmesini emreden Asur Kralı Sardanapalus’un son intihar anlarını, başka bir dramatik tarihi olayı tasvir ediyor. Mağlup olmaktansa ölmeyi tercih etti ve Delacroix’in tavir etmeyi seçtiği an, intiharından hemen önceydi, kuşkusuz kahramanlıktan çok abartılı bir hareketti.

Kral, etrafındaki kargaşayı gözlemlerken, beyazlar içinde kırmızı dökümlü büyük bir yatakta uzanırken görülür. Bir kadın köle kralın yanında yatağa çökmüş, diğeri ise ön planda bir erkek hizmetçinin elinde ölümünü beklemektedir. Bu arada, atlar korku içinde sol ön planda, bir köle tarafından zar zor tutuluyor. Kralın odası, altın parçaları, mücevherler ve lüks kumaşlar da dahil olmak üzere, hepsi yakında cenaze ateşinin alevlerinde yanacak zenginliklerle doludur.

Sardanapalus hikayesi Romantikler arasında popülerdi. 19. Yüzyılda Frans Liszt’in bir operası ve Delacroix’in bu tabloyu temel aldığı Byron’ın bir oyunu da dahil olmak üzere bir dizi sanatsal esere ilham kaynağı oldu. Sanatçı, kompozisyonsal organizasyonu aracılığıyla sahnenin doğasında olan dramayı güçlendirdi: Genel etki, kaostan biridir, ancak çöküş ve aşırılık ile işaretlenmiş çok özel bir türdür. Hayal gücünü kullanarak, daha büyük dramatik etkiye sahip bir tarihsel anlatı aşılıyor. Bu resim, Delacroix’in eserine getirdiği dramatik yeteneğin önemli bir örneğidir ve “bir kompozisyon hayal etmek, kişinin bildiği ve gördüğü unsurları, sanatçının içsel varlığından kaynaklanan diğer unsurlarla birleştirmedir” görüşünü kanıtlar.

Resim, Delacroix’in renk ustalığını ve özellikle de aynı anda çöküş ve lüksü, aynı zamanda kan ve yaraları simgeleyen kırmızıyı kullanmasını sergiliyor. Gerçektende, Delacroix’in etkileyici renk ustalığı, Manet ve Cezanne gibi en eski modern sanatçılara ilham verecekti. Ayrıca, örneğin Ingres’in kontrollü neoklasik (ve genellikle görünmez) dokunuşundan çok farklı, ressam bir fırça darbesi kullanması da önemli. Bu resimde, sahnenin kaosu ve enerjisi, Delacroix’in boyanın kendisini işlemesiyle eşleştirilir ve güçlendirilir.

Çalışma, çağdaş fotoğrafçı Jeff Wall’un Delacroix’in resminin modern bir yeniden rekreasyonu ve şeffaf ışık kutusu işlerinin ilk serisi olan The Destroyed Room’a (1978) ilham verdi. Wall tarafından yaratılan yağmalanmış odadaki yıkım sahnesi, özellikle her ikisi de bir diyagonal boyunca düzenlendiğinden, Delacroix’in sahnesinde sürmekte olan kaosu yansıtıyor. Wall, Delacroix gibi sahnenin dramasını ve tutkusunu yoğunlaştırmak için kompozisyonunda belirhin bir şekilde kırmızı rengi kullandı.

28 Temmuz: Halka Önderlik Eden Özgürlük

Delacroix’in 28 Temmuz İnsanlara Öncülük Edene Özgürlük adlı tablosu, cesetlerle dolu bir tuvale hücum eden çeşitli yaşlardaki bireyleri tasvir ediyor. Merkezde, ceset yığınının üzerinde yürüyen çıplak göğüslü bir kadın figürü, bir tarafa bakarken sol elinde bir tüfek ve sağında bir Fransız bayrağı tutuyor. Sağında iki adam var; siyah ceketli, kravatlı ve silindir şapkalı, tüfek tutan resmi giyimli bir adamın yanında koşan beyaz gömlekli bir kılıç. Kadının solunda iki tabanca sallayan genç bir çocuk var. Arka plan duman ve yıkımla Paris’in zar zor görünen ana hatlarıyla dolu.

Delacroix’in en ünlü eseri olarak kabul edilen bu eser, gerçek bir tarihi olaya dayanan pek çok eserden biridir, bu durumda, Kral Charles X’in saltanatını sona erdiren Fransız monarşisine karşı kısa ömürlü, günlerce süren bir isyan. İsyanda, Delacroix cesur devrimcileri bir tabloyla onurlandırmak istedi. Kardeşine yazdığı gibi, “Modern bir konuyu, bir barikatı üstlendim ve ulus için hiçbir zafer kazanmadıysam, en azından onun için resim yapacağım.” Resim sembolizm açısından zengindir. Sınıfların birliği, alt sınıfların yanında savaşan bir burjuva centilmenin varlığıyla temsil edilir; bu arada Fransa’nın ulusal renkleri (mavi, beyaz ve kırmızı) kompozisyon boyunca, en belirgin şekilde bayrakta, aynı zamanda duman ve gökyüzünün tonlarında ve ana resme bakan diz çökmüş kadın figürün kıyafetlerinde tekrarlanır. Bu kadın, Özgürlük kavramı ve buna bağlı olarak Fransız Cumhuriyeti’nin kendisi için bir alegori olarak hizmet eder (örneğin çıplak göğüsleri onu çağdaş tarihten daha fazla klasisizm alanına yerleştirir); Delacroix onu bir savaşçı olarak gösteriyor, o kelimenin tam anlamıyla ileri hücum ederken, insanlara önderlik ediyor.

Bu çalışmanın gücü, olayın vatansever ruhunun yanı sıra kaotik, şiddetli gerçekliğini aynı anda yakalama yeteneğinde yatmaktadır. Eleştirmen Jonathan Jones’a göre, “Delacroix devrimin histerik özgürlüğünü ve sevincini resmetmiştir. Onun resmi, devrimin en karizmatik görsel ikonu olarak varlığını sürdürmektedir. Yine naif değildir. Ölüm cazibenin bir parçasıdır ve tam anlamıyla hastalık vardır. Romantizm iyimser bir sanat değildir. Eğer Delacroix’nın resmi, devrimin baştan çıkarıcılığını diğerlerinden daha iyi anlıyorsa, aynı zamanda, topyekün değişime ve kalabalığın egemenliğine olan inançtan ayrılamaz olan şiddeti de kabul eder. “Delacroix’s İdealleştirmeyi kasıtlı olarak reddetmek, Daumier ve Courbet gibi daha çirkin veya daha şiddetli yönleriyle tamamlanmış günlük yaşam sahnelerini betimleyen 19.yüzyıl sonraki sanatçıları tarafından benimsetecekti. İlginç bir şekilde, Delacroix’in Özgürlük imajı, Fransa’da Cumhuriyetçiliğin yüce bir sembolü haline gelecek, hem para biriminde hem de posta pullarında bir yer kazanacak ve Delacroix’nın Fransa’nın en büyük sanatçılarının mirasındaki konumunu güvence altına alacaktı.

Bu resim aynı zamanda, bu resimden esinlenerek 1995-96 tarihli Freedom Leading the People adlı eserini yaratan Çinli çağdaş sanatçı Yue Minjun üzerinde de doğrudan bir  etkiye sahipti. Kendisini suçlamaya liderlik eden tüm figürlerin rolünde tasvir eden Minjun, Delacroix tarihçisi Simon Lee’ye göre “Asyalı sanatçılar tarafından Batı kanonunun sızmasını ve yıkılmasını incelediği” farklı bri devrim türünü görsel olarak temsil ediyordu.

Cezayirli Kadınlar Dairelerinde

Parlak renkli giysiler giyen üç Cezayirli kadın, zengin bir şekilde dekore edilmiş bir iç mekanın zemininde gelişigüzel oturuyorlar. Soldaki kadın bir yastığa yaslanmış ve bakana bakarken diğer ikisi sohbet ediyormuş gibi başlarını birbirlerine çeviriyor. En sağda, siyah bir kadın hizmetçi sırtı izleyiciye dönük olarak yürür ve başı yerdeki kadınlara dönüktür.

Delacroix’in 1832’den sonra yarattığı eserlerin çoğu, o yıl Fas’a yaptığı son derece etkili geziden ilham aldı. Hem konu hem de üslup olarak bu eserler, yolculuğun sanatı üzerindeki dönüştürücü etkisini, örneğin zengin, duyusal renk paletinde ve aynı zamanda resimlerinin öznesinde yansıtıyor. Bu çalışmanın konusu, Delacroix’in Müslüman bir adamın (ve eski bir korsanın) evine yaptığı ve haremi için ayrı bir daireyi veya evinin kadınlarını içeren bir ziyaretinden türetilmiştir. Ziyareti çevreleyen bazı belirsizlikler olsa da, Delacroix’nın gördükleri karşısında büyülendiğini ve bu deneyimi “şerbetler ve meyvelerle zar zor kontrol altına alınabilecek bir ateş” olarak nitelendirdiğini biliyoruz.

Delacroix, tabloyu kadınlardan yaptığı çizimlere ve suluboya çalışmalarına dayandırdı ve resimdeki detay zenginliği, hem bir gözlemci olarak ayrıntılara gösterdiği dikkatin hem de Romantik egzotizm sahnesini oluştururken yaratıcı süslemelerin bir sonucudur. Gerçekten de, Delacroix bir keresinde, “bir resmin en önemli özelliği, göze ziyafet çekmektir” demişti, bu resimde gösterdiği gibi, aynı zamanda Oryantalistleri yakalarken aynı zamanda renk kullanımındaki ustalığının mükemmel bir örneğini sunuyor. O zamanlar Fransız izleyicileri için çok ilgi çekici olan gizem. Bu resimlerdeki desenler ve renkler Cezanne,  Renoir ve Matisse gibi modern sanatçıları doğrudan etkiledi; odaklıkların çoğu Delacroix’nın Kuzey Afrika’daki uyuşuk kadınlık sahnelerine borçluydu. Aslında, Cezanne üzerindeki etki o kadar derindi ki, bir keresinde ünlü olarak “Delacroix, Fransa’daki en iyi renk paletine sahipti” demişti.

Bir Parkta Devrilmiş Çiçek Sepeti

Kariyerinin sonraki yıllarında, Delacroix ilham almak için giderek daha fazla doğaya döndü. Bir Parkta Devrilen Çiçek Sepeti önemlidir, çünkü sanatçı kariyeri boyunca ağaç, bitki ve çiçek çizimleri yapmış olsa da, bu onun ilk resmi çiçek resmiydi. Anıtsal çağdaş tarih resimleriyle karşılaştırıldığında, eser, yalnız üçe beş fitten biraz daha fazla olan, ölçek olarak samimi. Bununla birlikte, resim 1849 Paris Salonunda, Cezayirli Kadınlarla birlikte Dairelerinde sergilendi. Çiçek konusu, Delacroix’in kanlı 1848 Devrimi ve Paris Komünü’nün hemen ardından, huzurlu kır malikanesi Champrosay’de üzerinde çalıştığı birkaç kişiden biriydi.

İç mekanlarda masaların üzerinde yerleştirilen geleneksel natürmortların aksine, burada ortam yeşil çalılar ve ağaçlarla dolu yemyeşil bir açık hava bahçesidir. Resimde, kırmızı, sarı, pembe ve turuncu renklerde çok sayıda çiçek dökülen, yana çevrilmiş bir hasır sepet bulunuyor. Sepet, tuvalin sol tarafından filizlenen ve resmin tüm genişliği boyunca sağa doğru giden çiçekli bir asmanın tam altında, bir tür sahne önü kemeri oluşturuluyor. Soldaki kırmızı çiçekli çalı, sağ orta zemindeki başka bir çalı üzerindeki rengarenk çiçeklerle ve merkezdeki çiçeklerle uyumludur. Gerçekten de, renk ve kompozisyona yapılan vurgu, daha sonraki izlenimcilerin kendi dış mekan sahnelerinde yaratmaya çalışacakları bir şey olan genel bir uyum izlenimi verir.

Delacroix bilgini Simon Lee’ye göre, sanatçı “… tedavilerinin çiçek resimlerinin olağan gelenekleri olan vazolar, perdeler ve sütunlardan arındırılmış olmasını istedi. Onun için çok fazla çiçek ressamı botanik ayrıntılara odaklandı, ancak resimleri bu benzersiz yaklaşım, Claude Monet, Vincent van Gogh ve Odilon Redon gibi sanatçıların eserlerini doğrudan etkileyecek modern bir yaklaşımdı. Bunun üzerine inşa edin ve çiçek aranjmanlarının geleneksel olarak gerçekçi resi tasvirlerinden ziyade ışık, renk ve çiçeklerin genel izleniminin etkilerine odaklanan çiçek resimlerine kendi bireysel yaklaşımlarını benimser.

Aslan Avı

Bu yoğun ve biraz kaotik sahne, iki aslana saldıran bir grup Arap erkeğini canlandırıyor. Solda bir binici ve atı bir dişi aslan tarafından düşürülürken, başka bir figür aslanı arkadan mızraklamaya çalışıyor. Arka planda, gevşek piramidal kompozisyonun tepesinde, başka bir avcı, kılıcını kaldırarak kargaşaya doğru dörtnala koşar. Orta ön planda ve sağda, avcılardan birini devasa pençelerinin altına hapseden bir erkek aslanı öldürmeye çalışan dört adam daha görüyoruz. Canavarların kurbanı, bu grubun hemen arkasında yerde yatıyor.

Bu resim, Delacroix’in aslan avı teması üzerine yarattığı bir dizi eserin parçasıydı ve onun büyük ölçekli başyapıtlarının sonuncusu olarak kabul ediliyor. Sanatçının, kariyeri boyunca keşfettiği dramatik etki için figürlerin dinamik düzenlemesine olan ilgisini ve deneylerini vurgular. Aynı zamanda sanatçının yoğun bir şekilde çalıştığı hayvanlara olan hayranlığını da gösterir (eskiz defterlerini hem evcil kedilerin hem de aslanlar da dahil olmak üzere vahşi kedilerin grafit çizimleriyle doluydu, bunların bir kısmını Paris’teki Jardin des Plantes’teki hayvanat bahçesinde yaptı). Gerçekten de, Delacroix, hayvanların büyük bir hayranıydı ve günlüğüne, “aslanın ön ayağının bir insanın canavar gibi koluna benzemesi” karşısında büyülendiğini yazmıştı.

Delacroix’nın daha önceki aslan avı sahnelerinden bazıları, şiddetin ve dramatik aksiyonun yakından görünümüne sahipken, burada,  denizin uzaktan görünümüyle zenginleştirilen, sahneye daha fazla derinlik duygusu geliyor. Ortam belirsiz ve genel olsa da, erkeklerin egzotik kostümleri, belki de sanatçının Kuzey Afrika hatıralarından esinlenerek hayali bir Doğu’ya yerleşmemize yardımcı oluyor. Dövüşçülerin dönen fırça darbeleri, canlı renkleri, onların akıcı ve parlak renkli giysileri, suyun dalgalarında ve gökyüzünde hareket ediyormuş gibi görünen dönen bulutlarda yankılanır. Delacroix, kuşkusuz Peter Paul Rubens’in ilk kez 1854’te üreme gravürleri aracılığıyla karşılaştığı aslan avı resimlerinden ilham almıştır. Rubens, Delacroix gibi, ressam fırça darbelerinin ustasıydı ve genellikle bu konuda Delacroix’in selefi olarak görülüyor.

Bu eser,1855 tarihli ve şimdi yok olan orijinal büyük tuvalin daha küçük ölçekli bir kopyasıdır. Delacroix, sergi resimlerinin genellikle daha küçük versinlarını yarattı. İlgili bir yağlı boya eskiz, muhtemelen bitmiş tuval için bir hazırlık çalışması olan Paris’teki Orsay Müzesi’ndedir.

İlgili İçerik: Romantizm Sanat Akımı: Nedir, Tarihi, Sanatçıları, Karakteristiği, Eserleri ve Fazlası

İlgili İçerik: Rokoko Sanat Akımı: Nedir, Tarihi, Sanatçıları, Karakteristiği, Eserleri ve Fazlası

İlgili İçerik: Yıldırım Tanrısı Thor Kimdir? Ne Tanrısı? Özellikleri Neler?